El año de las películas híbridas en color y blanco y negro
Este año se destacan las películas híbridas en color y blanco y negro, lideradas por los contendientes al premio Oscar a Mejor Cinematografía, filmados en película Kodak como “Oppenheimer” (Universal), “Poor Things” (Searchlight), “Asteroid City” (Focus Features) y “Maestro” (Netflix). Además, hay otros dos contendientes de interés: “The Zone of Interest” (A24) contiene una serie de momentos monocromáticos impactantes, mientras que “El Conde” (Netflix) en blanco y negro ofrece una secuencia de color solitaria. Estas películas forman parte de una gran tradición estilística de mezclar color y blanco y negro para evocar estados mentales intensificados, como en “El Mago de Oz”, “Cuestión de Vida o Muerte”, “Bonjour Tristesse”, “El Cielo Sobre Berlín”, “JFK”, “Asesinos Natos” y “Pleasantville”. Ya sea real o imaginario, las diferencias estéticas ayudan a impulsar las narrativas. En contraste, “A Haunting in Venice” (20th Century), filmada por el cinematógrafo de confianza de Kenneth Branagh, Haris Zambarloukos, utiliza flashbacks convencionales en blanco y negro para recapitular un asesinato misterioso. Esto sigue al flashback monocrómático traumático de apertura en la segunda adaptación de Hercule Poirot de Branagh, “Muerte en el Nilo”.
El creciente atractivo de la cinematografía en blanco y negro
Nunca antes ha habido una concentración tan grande de películas híbridas en un solo año. Esto demuestra aún más la creciente popularidad de la cinematografía en blanco y negro, al tiempo que ofrece nuevas formas de combinar visualmente los dos formatos. En términos de precedentes de los premios Oscar, la revolucionaria “JFK” de Oliver Stone le valió al director de fotografía Robert Richardson el primer premio de la Academia a la cinematografía híbrida. Este thriller sobre la conspiración del asesinato de Kennedy alterna entre blanco y negro y color al combinar sin problemas imágenes de documentales, cobertura de televisión y narrativa dramática. El resultado es una exploración intensificada de la memoria traumática. Le siguió la victoria en los Oscar del director de fotografía Janusz Kamiński por la película en blanco y negro “La Lista de Schindler”, que contenía cuatro escenas en color: la celebración de Shabbat de apertura, la niña pequeña con el abrigo rojo durante la destrucción del ghetto y cuando se queman los cadáveres, y el final cuando los supervivientes visitan la tumba de Oskar Schindler (Liam Neeson).
“Oppenheimer”
Christopher Nolan divide su emocionante biopic de gran formato en dos perspectivas y líneas de tiempo separadas: alternamos entre J. Robert Oppenheimer (Cillian Murphy) liderando el equipo secreto en Los Álamos para construir la bomba atómica en color (titulada “Fission”) y el almirante Lewis Strauss (Robert Downey Jr.) abogando por más pruebas nucleares durante la Guerra Fría en blanco y negro (titulada “Fusion”). La colisión de estas dos narrativas involucra la memoria como metáforas de la física cuántica, y los dispositivos de encuadre paralelos son la audiencia de Oppenheimer en 1954 para revocar su autorización de seguridad y la audiencia de confirmación en el Senado de Strauss como secretario de comercio en 1959. Mientras que Nolan pretendía que el color fuera subjetivo y el blanco y negro más objetivo, este último es en realidad más matizado debido al entendimiento, logros y perspectivas limitados de Strauss. El cinematógrafo de confianza de Nolan, Hoyte van Hoytema, se aventuró en territorio inexplorado con la cámara IMAX de gran formato de 65 mm para explorar el paisaje de los rostros en este enfrentamiento adversarial entre Oppenheimer y Strauss. El resultado es un espectáculo íntimo innovador que redefine los retratos y primeros planos para su presentación teatral en IMAX de 70 mm. Esto fue especialmente desafiante para el blanco y negro de gran formato, con Kodak desarrollando una nueva película de 65 mm para su uso por primera vez en IMAX. Este proceso de acabado de gran formato requirió una asociación especial entre Kodak, FotoKem, IMAX y Panavision para respaldar el flujo de trabajo en blanco y negro de 65 mm.
“Poor Things”
La retorcida película de género “Frankenstein” de Yorgos Lanthimos es una exploración feminista y de crecimiento más compleja que “Barbie”, filmada por su cinematógrafo de confianza Robbie Ryan. Emma Stone interpreta a Bella, una afligida mujer victoriana que se suicida y es reanimada con el cerebro de su hijo no nacido por el científico iconoclasta Dr. Baxter (Willem Dafoe). Ella comienza torpemente con la capacidad mental de un niño salvaje y rápidamente se vuelve más insaciable en todos los sentidos, superando las limitaciones de la casa/laboratorio gótico de Baxter en Londres. El primer acto está filmado en blanco y negro expresionista como un comienzo primitivo del renacimiento de Bella, y la lente ojo de pez distorsiona de manera impactante su perspectiva surrealista. Pero luego, Bella se escapa con el abogado astuto y depravado Duncan (Mark Ruffalo) en una aventura frenética por los continentes. Es entonces cuando su transformación cambia a color, especialmente con la película Ektachrome de 35 mm en reversión de color. Esto proporciona una apariencia más vibrante y detallada para momentos especialmente intensificados durante sus escapadas sexuales en Lisboa, en un crucero por el Mediterráneo y en París. El uso de varias texturas, contrastes y colores con diferentes películas y lentes transmite brillantemente la audaz transformación de Bella en una mujer sexualmente liberada e independiente, adelantada a su tiempo.
“Asteroid City”
La fábula de ciencia ficción de Wes Anderson sobre el miedo, el dolor y la represión durante la era atómica (con un elenco coral encabezado por Jason Schwartzman, Scarlett Johansson y Tom Hanks) explora dos narrativas relacionadas en color y blanco y negro, filmadas por el cinematógrafo de confianza de Anderson, Robert Yeoman. Es un juego de Pirandello dentro de una transmisión de televisión dentro de una película. La historia principal, filmada en colores pastel hiperrealistas y 2.40:1, es la recreación cinematográfica de la transmisión televisiva de la obra sobre una feria de ciencia retrofuturista de un niño en el suroeste de Estados Unidos en 1955. Se ven interrumpidos por el aterrizaje de un extraterrestre, lo que despierta emociones y permite un cierre selecto (con actores que ocasionalmente salen de sus roles). El pueblo homónimo, construido desde cero cerca de Chinchón, España, se adapta perfectamente a la afición del director por la teatralidad artesanal con composiciones simétricas como dioramas. Mientras tanto, las escenas detrás de escena de la transmisión y la realización de la obra (que involucra al dramaturgo interpretado por Ed Norton, al director interpretado por Adrien Brody y a varios actores) se filman en blanco y negro y 1.33:1. Se presentan como dramatizaciones para la emisión y se vuelven muy meta al difuminar a los actores y sus personajes. El tono monocromático se ajusta adecuadamente al formato estético predominante de la época.
“Maestro”
Bradley Cooper dirige y protagoniza esta amplia exploración del legendario director/compositor Leonard Bernstein a través de su complicado matrimonio con la actriz chileno-estadounidense Felicia Montealegre (Carey Mulligan). Abarcando más de 30 años y filmada por Matthiew Libatique (nominado al Oscar por “A Star Is